La versión fílmica de «Cumbres Borrascosas»: ¿Demasiado superficial?

Una nueva adaptación de “Wuthering Heights” vuelve a dividir opiniones al priorizar la estética, la sensualidad y la memoria cinematográfica por encima de la fidelidad literaria. La propuesta de Emerald Fennell no busca reproducir la novela de Emily Brontë, sino dialogar con décadas de historia fílmica. El resultado es una obra que despierta fascinación y rechazo en partes iguales.

Desde su anuncio oficial, la más reciente versión de “Wuthering Heights” dirigida por Emerald Fennell ha generado un intenso debate cultural. No se trata únicamente de una nueva adaptación de la célebre novela de Emily Brontë, sino de una declaración de intenciones sobre cómo el cine contemporáneo puede apropiarse de un clásico sin rendirle obediencia estricta. Lejos de buscar una reconstrucción académica de los páramos ingleses o del drama victoriano, la realizadora británica opta por una lectura estilizada, sensorial y profundamente autoconsciente.

La película, estrenada bajo el título entrecomillado de “Wuthering Heights”, introduce desde su promoción una pista clara: no aspira a ser la adaptación definitiva, sino una versión posible entre muchas. Esa elección gráfica, aparentemente menor, funciona como un gesto programático. Las comillas evocan una tradición visual del Hollywood de mediados del siglo XX, cuando los títulos aparecían destacados en los tráilers como recurso tipográfico distintivo. Al recuperar ese estilo, Fennell sugiere que su película dialoga más con la historia del cine que con el texto publicado en 1847.

En términos narrativos, la directora toma una decisión que ha acompañado a varias versiones anteriores: concentrarse únicamente en la primera mitad de la novela. Al hacerlo, el relato se interrumpe antes de que la historia de amor derive en un examen más amplio sobre el resentimiento, la herencia emocional y el trauma generacional. Esta elección reduce la complejidad estructural del libro, elimina personajes secundarios y simplifica la cronología. Sin embargo, al mismo tiempo intensifica la dimensión erótica y física de la relación entre Catherine y Heathcliff, subrayando el deseo, la obsesión y la pulsión corporal por encima de la reflexión psicológica.

Esa apuesta estética se traduce en una puesta en escena marcada por el exceso sensorial. La cámara se detiene en texturas, fluidos, superficies húmedas y detalles táctiles que construyen una experiencia más epidermis que introspección. La lluvia, el barro y los objetos cotidianos adquieren un protagonismo casi simbólico, pero nunca terminan de trascender la superficie. Para algunos espectadores, esta decisión constituye una traición al espíritu de Brontë; para otros, representa una actualización audaz que traslada la intensidad romántica al lenguaje visual contemporáneo.

El diálogo con el pasado cinematográfico se vuelve aún más notorio al contrastar las referencias de Fennell con la emblemática adaptación de 1939 realizada por William Wyler; aquella versión clásica, con Merle Oberon como protagonista, fijó una visión romántica y pulida del relato que con el paso del tiempo llegó a influir en el imaginario popular tanto como la propia novela original, y la nueva película parece reconocer que ese antecedente constituye una parte inseparable de la tradición de “Wuthering Heights”.

La protagonista Catherine, interpretada esta vez por Margot Robbie, representa una combinación renovada de tributo y reinterpretación. El vestuario diseñado por Jacqueline Durran destaca como uno de los aspectos más comentados de la película. Robbie despliega numerosos conjuntos que remiten al glamour desbordado del Hollywood clásico, alejándose de la austeridad propia del siglo XVIII rural. Tul, terciopelo, pieles y abundantes joyas convierten a Cathy en una figura casi mítica, más vinculada al star system que a una recreación estrictamente histórica.

La inspiración visual no se limita a la adaptación de Wyler. Durante la preparación del rodaje, Fennell compartió con su equipo un voluminoso compendio de referencias que incluía imágenes de Scarlett O’Hara en Gone with the Wind y la estética fantástica de Donkey Skin. Estas influencias revelan una intención clara: construir un universo visual que no responda a criterios de exactitud histórica, sino a una verdad emocional definida por el cine mismo.

En declaraciones públicas realizadas en el Victoria and Albert Museum de Londres, la directora ha insistido en que el vestuario no pretende reproducir una época concreta, sino expresar estados internos. La diseñadora Durran ha descrito el proceso como intuitivo y emocional, más que documental. Esta postura desafía la expectativa habitual que rodea a los dramas de época, donde la fidelidad a los detalles históricos suele considerarse un indicador de calidad.

La reacción crítica no ha sido unánime. Parte de la prensa ha cuestionado la reducción de la trama y el énfasis en la sexualidad explícita, interpretando estas decisiones como un intento de provocar o modernizar a cualquier costo. Otros análisis, en cambio, han señalado que cada generación reescribe los clásicos según sus propias obsesiones culturales. En 1939, el propio The New York Times publicó una reseña firmada por Frank S. Nugent que defendía las libertades creativas de Wyler, argumentando que el filme había sabido concentrarse en el núcleo emocional del relato.

El paralelo histórico resulta inevitable. Si la versión de 1939 fue acusada en su momento de suavizar o simplificar la novela, la de 2026 enfrenta críticas opuestas: se le reprocha haber intensificado lo carnal y reducido la dimensión moral y social. No obstante, ambas comparten un mismo impulso: reinterpretar el texto para ajustarlo a los códigos estéticos de su tiempo. En ese sentido, Fennell parece consciente de que toda adaptación implica una toma de postura, una lectura parcial que privilegia ciertos aspectos y sacrifica otros.

Más allá de discutir sobre la fidelidad, la película puede leerse como una meditación acerca del propio proceso de adaptación. Al optar por referencias del cine en vez de la literatura, la directora inscribe su propuesta dentro de una tradición esencialmente visual. La cuestión que atraviesa el proyecto no gira en torno a si se ha conservado cada matiz de Brontë, sino en cómo se resignifica hoy filmar un relato repetido infinidad de veces. En vez de rivalizar con el texto inicial, la película dialoga y mide fuerzas con quienes la precedieron en la pantalla.

La estrategia comercial también influye en este fenómeno. Distribuida por Warner Bros. Pictures, la cinta se introduce en un mercado global donde los clásicos literarios siguen representando una apuesta confiable, siempre que lleguen con un enfoque particular. La controversia inicial, impulsada por el tráiler y las redes sociales, ha ayudado a consolidar la película como un acontecimiento cultural que trasciende su valoración artística.

Al final, la versión de Fennell no intenta acercar a los puristas ni conquistar al público ocasional; más bien parece empeñada en generar una vivencia sensorial potente, aun si eso implica que algunos la perciban como ligera. El brillo de la superficie, esa capa húmeda por la que se deslizan las imágenes, actúa como metáfora de una apuesta que privilegia el golpe visual inmediato por encima de una mayor complejidad narrativa.

Queda por determinar si el paso del tiempo consolidará esta adaptación como una reinterpretación relevante o como una curiosidad estilística. Lo cierto es que, al igual que ocurrió con la película de Wyler en su momento, la discusión sobre “Wuthering Heights” trasciende la comparación con la novela. Se trata, en el fondo, de una conversación más amplia sobre cómo el cine reescribe la literatura y sobre qué espera el público contemporáneo de un clásico.

Al elegir mirar hacia el Hollywood de mediados del siglo XX en lugar de hacia el siglo XIX, Emerald Fennell ha dejado clara su postura: la historia de Catherine y Heathcliff no es un monumento intocable, sino un material maleable. Para algunos, esa libertad creativa ilumina el relato con una nueva luz; para otros, lo reduce a un reflejo brillante pero poco profundo. Como suele ocurrir con las obras que dividen opiniones, el verdadero veredicto dependerá de la memoria colectiva y de la capacidad del filme para seguir generando conversación más allá del estreno.